Glede og sinne i balanse: Kunsten til Lorraine O'Grady

O'Grady ble født i Boston, den andre datteren til jamaicanske immigranter. Hun vokste opp i Roxbury, et nabolag med nyankomne svarte, irske og jødiske befolkninger, som ligger bare kvartaler fra byens hovedgren i Boston Public Library og Museum of Fine Arts

Et bilde levert av Brooklyn Museum; Jonathan Dorado viser installasjonsvisning, Lorraine O'Grady: Both/And, med en video av hennes blandede hår, mellom landskap av Frederic Church og Thomas Cole, femte etasje, Brooklyn Museum i New York. En undersøkelse på museet utstråler stor forargelse, selv om den finner skjønnhet og styrke i en rekke identiteter. (Brooklyn Museum; Jonathan Dorado via The New York Times)

Skrevet av Holland Cotter

På 1960-tallet tok noen av oss narkotika, krypterte kjønn og prøvde globale religioner for å slippe oss løs fra det vi så på som binær tenkning i vestlig stil, et syn på verden basert på strengt holdt god-dårlig, rett-feil-motsetninger : hvit kontra svart, rett mot homofil, vi mot dem. Fem tiår senere hersker slik tenkning fremdeles i en rødblå nasjon, noe som gjør retrospektivet til Lorraine O'Gradys karriere ved Brooklyn Museum til en stor korrigerende hendelse.

Artisten flagger sin egen motstand mot enten/eller i selve tittelen på showet hennes: Lorraine O'Grady: Both/And. Siden hun gjennom en lang karriere-hun nå er 86-konsekvent har formet kunsten sin på en annen modell, en med balanserte frem og tilbake-par: personlig og politisk; hjem og verden; sinne og glede; bunnsolid ideer og et lett formelt preg.

Selv om showets arrangører - Catherine Morris, seniorkurator ved museet; forfatter Aruna D’Souza; og Jenée-Daria Strand, en kuratorassistent-har flettet kunsten hennes gjennom flere gallerier i fire etasjer, vi er ikke i blockbuster-land her. Hoveddelen av denne undersøkelsen kan sannsynligvis presses inn i et par håndbagasjer. De fleste av hennes store verk var engangsforestillinger som overlever nå som fotografier og håndskrevne notater.

Skriving er et viktig element i arbeidet hennes. Hennes tidligste prosjekt, som stammer fra 1977 og markerte sin debut som billedkunstner, er et sett med collagedikt sammensatt av fraser som er klippet fra nummer av The New York Times. Deres tilstedeværelse, sammen med tilfeller av arkivmateriale-gulning av bokstaver, lister, diagrammer, uttalelser-gjør showet til en oppbremsingsopplevelse, et fiberrikt måltid etter et pandemisk år som favoriserer øye-godteri på nettet.

bilder av ulike typer bier

Og kunsten hennes er et produkt av en strukturert personlig historie, en med få rettlinjer. O'Grady ble født i Boston, den andre datteren til jamaicanske immigranter. Hun vokste opp i Roxbury, et nabolag med nyankomne svarte, irske og jødiske befolkninger, som ligger bare kvartaler fra byens hovedgren i Boston Public Library og Museum of Fine Arts. Som barn tilbrakte O'Grady mye tid i begge deler, med sin tidlige interesse som lente mot litteratur.

Et bilde levert av Garrett Bradley og The Museum of Modern Art; Robert Gerhardt viser en scene fra Lime Kiln Club Field Day, en uutgitt film fra 1914 som er hentet ut i Garrett Bradleys Amerika, hennes fire-skjerms videoinstallasjon på Museum of Modern Art i New York. Bradleys forseggjorte videoinstallasjon, som gjenoppretter rolige og bemerkelsesverdige øyeblikk i begynnelsen av det svarte livet fra begynnelsen av 1900-tallet, er på MoMA. (Garrett Bradley og The Museum of Modern Art; Robert Gerhardt via The New York Times).

Etter endt utdanning fra høyskolen, der hun tok hovedfag i økonomi og språk, tok hun fatt på en episodisk skrivesentrert karriere. Hun jobbet som forsker og oversetter for Labor Department i Washington, og flyttet deretter til Europa for å starte en roman. På begynnelsen av 1970 -tallet var hun i New York City og bidro med rockanmeldelser til The Village Voice og underviste i kurs om Dada og surrealistisk skriving ved School of Visual Arts. Hennes var et utpreget både/og liv, som hun i 1977 la til kunst.

Dette begynte nesten ved et uhell. Etter en medisinsk prosedyre det året, takket hun legen sin med en gave av en hjemmelaget valentine: et collage-dikt med flere sider med fraser hun klippet fra Sunday New York Times. Så, for seg selv, i løpet av de neste seks månedene laget hun to dusin. Tre av originalene er i Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art i fjerde etasje, der det meste av showet er installert. I denne sammenhengen virker de som et symbol på et liv som til nå var en collage av interesser og påvirkninger.

dverg gråtende kirsebærtre varianter

Det neste logiske trinnet var å presentere seg for den profesjonelle scenen. Det hun møtte var nivåer av de facto segregering. Den overveiende hvite vanlige kunstverdenen hadde ikke tid til henne som en selvbeskrevet karibisk afroamerikaner. Den lille, tettstrikkede, stort sett mannlige svarte kunstverdenen hadde lite plass til henne som kvinne. Den hvite, middelklasse feministiske kunstbevegelsen ga adgang, men holdt henne på armlengdes avstand.

Karakteristisk var svaret hennes å slå ut snarere enn å trekke seg tilbake, og hun gjorde det gjennom kunst: forestillinger i gerilastil i personligheten til Mlle Bourgeoise Noire (Miss Black Middle Class), en aldrende, men feist og munnfull skjønnhetsdronning som kledde seg i en kjole sydd av formelle hvite hansker og dukket opp, ubudet, på offentlige kunstarrangementer.

I denne formen, i 1980, krasjet hun en åpning på Just Above Midtown, et galleri på Manhattan med en svart liste, og ropte at svart kunst må ta større risiko! Hun fulgte opp dette med en opptreden ved åpningen av et helt hvitt show av performancekunst på New Museum, der hun utfordret institusjonens påstand om å være et alternativt rom og erklærte at en invasjon var nært forestående.

Mlle Bourgeoise Noires hvithanske-kjole er i Brooklyn-showet, det samme er en serie fotografier som dokumenterer hennes utseende på det nye museet. Disse nå-klassiske bevegelsene til svart feministisk plass-hevder som utstråler høy forargelse og lur humor, føles år foran sin tid, det samme gjør et andre stort forestillingsarbeid et par år senere.

I 1983, etter å ha blitt fortalt av en kollega i den feministiske bevegelsen at avantgarde-kunst ikke har noe å gjøre med svarte mennesker, bestemte O'Grady seg for å demonstrere noe annet ved å delta i Afro-American Day Parade i Harlem. For et forestillingsstykke med tittelen Art Is ... leide hun en flottør og artister til å ri på den, hver med en tom forgylt bilderamme. Da flottøren tok seg opp ad Adam Clayton Powell Jr. Boulevard, gikk artistene ned på gaten og inviterte tilskuere til å posere for fotografier innenfor rammene, for å bli omgjort til kunst. Stykket ble et hit. Folk som hadde portretter laget var - du ser det på bilder - sprudlende. (Og det er fortsatt et hit: Det inspirerte en video produsert av Biden-Harris-kampanjen i 2020.)

O'Grady var også på flåten, smilte og så på dette veldig offentlige verket med konseptuell kunst utfolde seg. Min favoritt av hennes fremførelsesstykker stammer imidlertid fra et år tidligere og var mer privat. Med tittelen, Rivers, First Draft eller The Woman in Red, er det en slags semi-selvbiografisk pilgrims fremgang. Sett opp på en sommerdag, i et avsidesliggende hjørne av Central Park, gjenskaper verket symbolsk scener fra kunstnerens liv. En skuespiller kledd i hvitt spiller hennes avsidesliggende, upåklagelige mor; en annen spiller O'Grady som et drømmende, bokaktig barn. Og artisten, kledd i lidenskapsrød, spiller en versjon av sitt voksende selv. Traumer blir vedtatt - romantiske tap, politiske sammenstøt, til og med voldtekt - men fortellingen, som gikk som et middelaldersk mysteriespill og fanget i 48 fargefotografier, ender med en ritualistisk vade gjennom helbredende farvann og det som føles som en tilstand av fred.

Familien er denne kunstnerens tilbakevendende tema. Og Miscegenated Family Album (1980/1994), kanskje hennes mest kjente verk, består av sammenkoblede bilder av to av dem: Dronning Nefertiti og hennes barn avbildet i skulpturer fra det 18. dynastiet, og O'Gradys storesøster, Devonia, som døde i 1962, og etterlot barn, som sett på familiebilder.

plante med røde blader

Utstilt i museets antikke egyptiske kunstgallerier i tredje etasje, er verket en meditasjon om menneskelige forbindelser-søsterskap, morskap, aldring-over tid. Men det handler også om en udødelig historie om rasisme: Vestlige historikere har tradisjonelt sett på gammel egyptisk kultur som for klassisk/hvit til å være afrikansk, og for afrikansk/svart til å være europeisk. O'Grady og hennes biracial Jamaican-Boston-familie er tildelt en lignende limbo, som flyter mellom identiteter-afrikansk, amerikansk, afroamerikansk, karibisk-uten å være forankret i noen i en verken/eller verden.

Det faktum at de deltar i alle disse identitetene, og at det er en kilde til deres skjønnhet og styrke, ser ut til å være budskapet i showets enkeltvideo, Landscape (Western/Hemisphere), laget i 2010/2011. Installert på Arts of the Americas-galleriene i femte etasje og plassert mellom storslåtte, landfangende New World-visningsmalerier av Frederic Church og Thomas Cole, ser videoen først ut som et kontinuerlig bilde av tett, raslende løvverk. Faktisk er det et nærbilde av O'Gradys blandingshår, for å låne D’Souzas beskrivelse i katalogen. Med sine nyanser og farger mørke og lyse og teksturene krøllete og rette, er det et legemliggjort eksempel på både/og.

I tillegg til å være retrospektivets medkurator, er D’Souza redaktør for Lorraine O'Grady: Writing in Space, 1973-2019, en bok med kunstnerens skrifter utgitt av Duke University i fjor. Det er en absorberende lesning fra perm til perm, ingen overraskelse med tanke på kunstnerens røtter i litteraturen. Og datoene for innholdet og de for verkene i Brooklyn sammenfaller ganske mye, med unntak av showets siste stykke.

Med tittelen Announcement of a New Persona (Performances to Come!), Og datert 2020, er det en fotografisk serie med kunstneren selv i dekke av en ridder som errant helt-faktisk usynlig-innkapslet i en drakt med rustning i middelalderstil på den tredje gulv. Signalerer rustningen beredskap for kamp eller selvbeskyttende retrett? Du ser det og tenker conquistador (dårlig), til du får øye på et miniatyrpalme (godt) som spirer fra hjelmen, noe som antyder hennes karibiske/jamaicanske arv. Presise betydninger, som de lovede forestillingene, har ennå ikke blitt avslørt. Men klart, noe både/og er oppe, unnfanget med moralsk skarphet, vidd og human tapperhet som alltid har markert standarden denne artisten bærer inn i feltet.