Sandeep Narayan -intervjuet: 'Jeg vil at konserten min skal være så ekte og så ekte som mulig'

Den karnatiske klassiske vokalisten Sandeep Narayan tror på samtidens verdier, selv om han praktiserer det som anses som en konservativ kunst. Nysgjerrig på å vite hvem som var stjernemusikeren som trente ham og formet hans perspektiver innen kunst og liv? Les denne engasjerende samtalen.

Den karnatiske klassiske vokalisten Sandeep Narayan opptrer på en konsert. (Ekspressfoto: Ramanathan Iyer)

Å ta et barn ut av skolen i USA i de formative årene og sende ham til Chennai for å lære karnatisk musikk var en ganske uortodoks idé på 1990 -tallet. Ingen hadde gjort det før, men Narayanerne i Los Angeles var så glad i karnatisk musikk at de trodde deres talentfulle sønn ikke måtte gå glipp av fordelen som barn på hans alder likte i Chennai.

Sønnen deres var bare 11 år gammel og var naturlig tilbøyelig til musikk fordi alt han hørte hjemme siden barndommen var karnatisk musikk. Han hadde lært karnatisk musikk siden han var fire år av moren Shubha Narayan, som selv hadde en kjent musikalsk stamtavle. Men da den unge gutten ble for leken, mente foreldrene at han formelt skulle lære av en annen guru. De spurte Chennai-baserte fløytemaestro N Ramani, som underviste Sandeeps eldre bror i fløyte, om han kunne hjelpe. Etter omfattende tanker foreslo Ramani at gutten skulle komme til India og lære av Calcutta KS Krishnamurthi, en kjent musikkolog og en ettertraktet lærer for seniorartister.

For Krishnamurti var forespørselen litt uvanlig fordi han ikke hadde lært noen NRI -er, enn si et barn, bortsett fra sannsynligvis de fra familier som permanent hadde flyttet til India. Han prøvde det på grunn av Ramani, var imponert over guttens tidlige trening og innsikt, og lot ham lære under ham.

Gutten bodde i India i omtrent 18 måneder hos sin mor og gjennomgikk en ganske streng opplæring under Krishnamurti som var fylt med klasser, konserter og nådeløs praksis. Da han dro tilbake til USA, hadde han et godt grunnlag, en mye sterkere tilhørighet til klassisk musikk og et dypt ønske om å gjøre det stort innen karnatisk musikk. Han fortsatte å trene under Krishnamurthi gjennom innspillingene og direkteklassene i Chennai i sommer- og vinterferier.

Les | Akkarai Sisters: 'Karnatisk musikk er en spontan kunst, ikke noe som kan øves til perfeksjon'

Dessverre for gutten døde Krishnamurti på tre år, og han hadde ingen lærer av lignende kaliber igjen. Men denne gangen trengte familien ikke å lete etter en annen guru, fordi gutten, nå i tenårene, allerede hadde sett øynene på en ny guru, som allerede var en stjerne i seg selv og en eldre disippel fra Krishnamurti . Gutten, som fortsatt er bosatt i USA og foretar halvårlige turer til India, lærte av sin nye guru de neste 15 årene, og er nå en av få samtidige karnatiske musikere som har fått en stil som er unik for hans egen guru. Opplæringen med den nye guruen var livsendrende, og gutten flyttet permanent til Chennai i 2006 etter å ha fullført bachelorstudiene. Han er nå en av toppstjernene til den yngre generasjonen Carnatic-musikere og den første indisk-amerikanske gutten som gjorde karnatisk musikk til en karriere i India.

Dette er historien om Sandeep Narayan, den kule karnatiske musikken som er kjent for en stil som er rik på klassisisme, uttrykk og improvisasjon. Han er en prime-time sanger i Chennais Sabhas inkludert Madras Music Academy og er en ettertraktet klassisk utøver i andre indiske byer. Han er også en av de yngre generasjon klassiske musikere som er i stand til å ta kunsten til den nye generasjonen og krysse publikum.

Sandeep, begavet med en attraktiv stemme som er fleksibel og i stand til enkelt å bevege seg over oktaver og kjent for sin dypt uttrykksfulle stil, er en herlig utøver som tiltrekker seg imponerende kjennere av klassisk musikk fra alle aldersgrupper både i Chennai og andre steder. Han er ganske dyktig til alle aspekter av klassisk sang, og stilen hans er rik på godt skulpturerte gamakas, brigas og attraktive musikalske lyder som gjør karnatisk musikk tiltalende selv for lekfolk. Den iboende layaen i hans sang, både i langsomme og høye hastigheter, gir musikken en viss klarhet, posisjon og behagelig gangart. Hans finslipede klassiske teknikker og informerte eksponering for andre former for musikk og kunst gjør improvisasjonene hans sjarmerende og overbevisende, enten det er i ragasang, neraval (improvisasjon av å synge et refreng fra hovedkomposisjonen), kalpanaswaras (der sangeren engasjerer seg i en fantasifull presentasjon av notene til ragaen) og viktigst av alt, Raga Tanam Pallavi (RTP), som viser den tekniske og kreative allsidigheten til en Carnatic -sanger.

Sandeep mottar mange regionale og nasjonale utmerkelser. Han har vært en beste konsertartist ved Music Academy og mottaker av mange titler som Ustad Bismillah Khan Yuva Puraskar fra Sangeet Natak Akademi i fjor.

5 dyr i den tropiske regnskogen

Det som gjør ham litt unik, er også det faktum at han ikke er en konservativ Carnatic-sanger i gammel stil. Sannsynligvis kan du kalle ham en samtidskonservativ, noe som betyr at han tror på samtidens verdier, selv om han praktiserer det som anses som en konservativ kunst. Og musikere som ham viser at selv en eldgammel kunst som karnatisk musikk kan være ganske moderne og fremoverlent.

Nysgjerrig på å vite hvem som var stjernemusikeren som trente ham og formet hans perspektiver innen kunst og liv? Les denne engasjerende samtalen.

Sandeep Narayan mottar SNA Yuva Puraskar fra Manipur -guvernøren Najma Heptullah i 2019.

La meg starte fra begynnelsen. Du var en banebrytende som den første indisk-amerikanske gutten som valgte å satse på karnatisk musikk som en karriere i India. Hvordan skjedde det og hva føler du når du ser tilbake? Måtte du gjennomgå mange livsstilsjusteringer?

På den tiden visste jeg sannsynligvis ikke hva jeg skulle gjøre, og det var et eksperiment som til slutt fungerte. Jeg visste absolutt at jeg ønsket å være i karnatisk musikk, og det kunne bare gjøres i Chennai. Når det gjelder livsstilsjustering, hadde jeg ikke et problem fordi musikk var viktigere enn noe annet: å lære musikk, gå på konserter og til slutt opptre. Det var målene. Faktisk er jeg ikke enig med folk når de sier at levestandarden er noe mindre her, fordi det avhenger av hva du leter etter og hvilke verdier du har. Jeg kan argumentere med at levestandarden faktisk er bedre her. Du får mange ting som gjør livet ditt lykkeligere her, lettere. For eksempel, hvis jeg vil ha en kopp chai, trenger jeg ikke å kjøre til Starbucks, jeg kan gå noen få meter til en hvilken som helst te -kadai (butikk)! Jeg har også fantastiske venner her. Ærlig talt er jeg ganske fornøyd.

Var det lett å tilpasse seg med en indisk guru i et musikksystem som fremstår som ganske konservativt selv i dag?

Min første guru i Chennai, KSK Mama (KS Krishnamurti), var ikke veldig ortodoks, og vi kom veldig godt overens. Det var morsomt at det var denne 11 år gamle gutten med en veldig sterk amerikansk aksent som ønsket å lære musikk fra en eldre vidwan. Han var litt skeptisk, men etter å ha hørt meg synge var han glad. Etter vår første time fortalte han meg at han ville begynne å lære meg på et høyere nivå fordi han trodde jeg var mer kapabel enn barn på min alder. Noe klikket definitivt mellom oss.

Du hadde kommet til India siden 1996 for å lære under Calcutta Krishnamurti, og ved hans bortgang flyttet du til en annen guru og lærte under ham lenge til du ble ganske uavhengig. Kan du beskrive utviklingen din som musiker i Chennai?

KSK Mama oppmuntret meg til å utforske manodharma ganske tidlig. Frem til det tidspunktet hadde jeg gjort veldig lite improvisasjonsmusikk som alapana, neraval, swaras etc. Han lærte meg også mange nye ragas og ga en annen retning og dybde til min musikalske jakt.

I 1999, da han døde, måtte jeg lære av noen andre, og den eneste personen jeg hadde i tankene var Sanjay Subrahmanyan. Jeg kjente ham allerede før jeg dro til KSK Mama fordi familien vår hadde møtt ham under hans konserttur i USA i 1995. Selv som liten var jeg en stor fan av ham og hadde fulgt ham religiøst siden 1996-97. Når jeg var i Chennai, pleide jeg å gå på konsertene hans og sitte på første rad. Han lærte også av KSK Mama sammen med andre kjente artister som Sudha Raghunathan og P Unnikrishnan, blant andre. Jeg ble skikkelig stjerneslagd og syntes også at det var kult at jeg lærte av den samme guruen som Sanjay Subrahmanyan også lærte av.

Les | Publikum kommer for å nyte musikk, ikke for å se din matematiske trollmann: Neyveli Venkatesh

Så da min guru ikke var mer, spurte jeg Sanjay om han kunne lære meg. Jeg var helt sikker på valget mitt, men han var litt nølende fordi han trodde etter å ha lært av KSK Mama, som var veldig senior og mye eldre, at jeg skulle fortsette med noen i den generasjonen. Men for meg passet Sanjay perfekt. Jeg kom så godt overens med ham, og foreldrene mine likte det også.

Med meg og Sanjay var det en no-brainer. Vi pleide å snakke om sport, filmer, andre musikkstiler, etc.

Lærer du fortsatt av ham?

Jeg pleide å lære av ham regelmessig til ca 2014-15. Gradvis ble timene mindre hyppige på grunn av mine økende reiser og hans allerede travle reiseplan. Han ville også at jeg skulle lære og utvide meg selv. Jeg er mer selvstendig nå med min læring, men jeg konsulterer ham med alle musikkspørsmål jeg har fra tid til annen. For eksempel, for to år siden sendte jeg en melding til ham hvis jeg kunne lære et par sanger, og han forpliktet seg umiddelbart. Selv i dag, hvis jeg har noe å avklare innen musikk, går jeg til ham.

Som du vet, finner folk mye innflytelse fra Sanjay i musikken din, inkludert noen bevegelser, lydmåter, sangathis etc.

Ja, jeg vet (ler). Men de som følger Sanjays og musikken min har også lagt merke til hvordan og når jeg har avviket fra Sanjay Sirs stil. De som lytter forbifarten og vet at jeg er studenten hans, vil selvfølgelig gjøre denne assosiasjonen og kommentere eventuelle likheter, ekte eller oppfattet.

Den andre innflytelsen er også hans tilnærming til selve konserten. Det er et visst nivå av profesjonalitet han har, og det har også smittet av på meg, som jeg er veldig takknemlig for. Han respekterer andre artister, organisasjoner og publikum. Han har fortalt meg: Ikke tro at publikum er dumme. Ikke ta dem for gitt. Det er en ting jeg alltid husker og prøver å holde meg til på konsertene mine. Fokusnivået og alvoret hans er fryktinngytende: han eier den salen, hele plassen, når han er på konsert.

Det er bedre å kalle vokalist Sandeep Narayan for en samtidskonservativ, noe som betyr at han tror på samtidens verdier, selv om han praktiserer det som anses som en konservativ kunst. (Ekspressfoto: Rajappane Raju)

Sanjays stil handler mye om innovasjon. Hvor nyskapende er du på scenen?

Jeg går kanskje til en konsert og tenker at jeg skal synge noe spesielt den dagen, men det fungerer ikke alltid slik. I stedet kan noe annet skje. Se, det er mye musikk i hodet ditt mens du sitter på den konsertscenen på grunn av din konstante lytting og læring - fra populær til klassisk - og plutselig dukker det opp noe i hodet ditt. Når slike ting skjer, liker jeg å utforske det. Det er absolutt en ting jeg fikk fra guruer og andre artister. Hvis det kommer noe i hodet ditt, kan du utforske det. Ikke si nei. Se hva du kan gjøre med det innenfor rammen av strukturen vår, slik at det ikke blir noe annet. Carnatic -konsert er ikke en filmmusikkonsert, det er heller ikke en fusjonskonsert, men innenfor rammen er det fortsatt mulighet for kreativitet. Det er slik jeg liker å nærme meg det.

Dere hadde vært kjent for å praktisere nådeløst i flere timer sammen i de første årene. Nå som du er opptatt med konserter og turneer, hvordan håndterer du det?

Under den siste USA -turen spurte mange barn meg hvor mye jeg skulle trene for å nå et visst nivå. Mitt svar på det var at det ikke er noen formel. Det var aldri en formel for meg. Og det handler definitivt om kvalitet fremfor kvantitet. Du må bare fortsette å jobbe hardt og ha tillit til deg selv at ting vil klikke en dag. Da jeg bodde i USA, var praksis mye vanskeligere med skole, høyskole osv. På høyskolen var selv et problem å finne et sted fordi jeg delte leilighet med tre andre. Men i de dager lyttet jeg til mye musikk for å gjøre opp for det, og når jeg dro hjem hver måned, trente jeg i 2-3 timer hver dag. Da jeg flyttet til Chennai, var det ikke så mange problemer, og jeg kunne trene minst 2-3 timer om morgenen og ytterligere 2-3 timer om ettermiddagen eller kvelden. Jeg pleide også å gå på konserter nesten hver eneste dag, uansett hvem artisten var. Med andre ord, jeg fylte hele tiden med musikk på det tidspunktet. Mye av det var repetisjon.

Gjentakelse er hvordan vitenskap fungerer. Du gjentar, du perfekte, ikke sant?

Ja, noe studenter i dag bør huske på er at de ikke bare skal lære en sang og deretter gå videre til den neste. En ting som ble boret i hodet mitt tidlig var at du må synge en sang hundre ganger. Det var det de beste artistene, spesielt fra før, visste og gjorde. Et eller annet sted i midten ble det glemt med mange håpefulle musikere. Og jeg innrømmer at jeg noen ganger er et offer for den holdningen: Jeg tror jeg har lært en sang, jeg har sunget den noen ganger, og nå vil jeg synge den på en konsert så snart som mulig. Det kan fungere den dagen, og jeg kan være trygg, men når jeg synger den samme sangen etter en måned, to måneder eller seks måneder, ville den dagens versjon og den første versjonen være miles fra hverandre. Når du synger en sang første gang, leser du den bare, men når du øver den så mange ganger over en periode, kan den bli sangen din. Du leser ikke noe utenat lenger, det er en del av deg. Jeg ser det selv i dag. Gjentagelse er en ting jeg har innsett gjennom årene som så viktig. Jeg synger varnams om og om igjen. Ulike hastigheter, med forskjellige gamakam -utforskninger, forskjellige ting som det.

Nå med konserter og reiseplaner har jeg ikke klart å trene så mye, men jeg prøver å sette av minst en eller to timer om dagen. På reisedager vil øvelsen være som en konsertoppsummering: hva du skal synge og hva du bør unngå fordi jeg ikke ville gjenta sangene og ragasene jeg ville ha sunget på samme sted tidligere. For eksempel, denne gangen da jeg skulle på Chembai -festivalen i Guruvayoor, skjønte jeg plutselig at jeg ikke har sunget Rasavilasa (Swathi Thirunal -sang i raga Kamboji) på veldig lenge. Så under bilturen fra Coimbatore flyplass til Guruvayoor lyttet jeg til et opptak av det og prøvde å friske opp hukommelsen. Til slutt endte jeg ikke med å synge den fordi det var en forespørsel om en annen sang, men jeg er glad for at den er tilbake i minnet mitt, og jeg har tenkt å synge den snart igjen.

Karnatiske musikere er kjent for å bruke forskjellige stemmeteknikker for å perfeksjonere sin sang, noen ganger til og med ved hjelp av stemmespesialister. Har du noen?

Det jeg har innsett er at musikken vår selv har så mange innebygde øvelser. Selv de grunnleggende tingene som sarali-varisai og janta-varisai er øvelser i seg selv. Dessverre har de blitt merket som nybegynnerens springbrett for å lære seg et varnam, og når du er ferdig med det, flytter du til swara jathis og geetham og pleier ikke å se tilbake. Men disse tingene er tidløse. De er så gode øvelser som er lagt for oss. Den sitter der i de første geetham -bøkene dine. Noen ganger synger jeg de i forskjellige ragas og i forskjellige hastigheter, samtidig som jeg beholder klarheten. Det i seg selv er en fantastisk stemmeøvelse. Det har blitt en morsom utfordring for meg.

Sandeep Narayan opptrer på en konsert i Chennais Kapali -tempel i 2019.

Selv Varnams er så gode øvelser. Hastigheten går sakte til fort, melodien varierer ofte fra veldig lav til veldig høy, og vi driver med swaram, sahithyam, etc. alt i det. Så stemmeøvelsene kommer faktisk med musikken vår. Vi må bare utforske og bruke dem på riktig måte.

Men jeg har også diskutert med trente fagfolk om hvilke typer oppvarmings- og nedkjølingsøvelser som kan bidra til å opprettholde stemmen din. Vi tror vanligvis ikke at nedkjøling er nødvendig, men det er som alle andre muskler og annen trening på et treningsstudio, og på samme måte kreves disiplin og øvelse i begge deler.

I dag er det stor etterspørsel etter variasjon, og derfor må en kunstner stadig utvide sitt/hennes repertoar. Legger det press på deg?

For kanskje tiår siden kunne man synge det samme settet med sanger igjen og igjen i by etter by, og også polere disse sangene i prosessen. I dag, med fremkomsten av sosiale medier og digitale plattformer, kan du imidlertid ikke gjøre dette så mye. Hvis jeg synger en sang eller raga på ett sted, ville alle i andre byer bli kjent med det samme umiddelbart. Hvis jeg gjentar det snart i en annen by, vil de si at jeg synger de samme sangene overalt, og kommenterer at jeg kanskje ikke vet noe annet! Så å synge nye sanger oftere har blitt noe av en nødvendighet. Ulempen er at hvis du stadig synger nye ting, kan du ikke komme dypere inn i sangene du vil mestre. Så det kan definitivt være mye press. Som jeg nevnte tidligere, bør man helst synge en sang flere ganger før den presenteres offentlig, noe som også kan belaste stemmen når man hele tiden prøver å oppdatere repertoaret for hver konsert.

Abhishek Raghuram -intervju: 'Det er ikke noe rett og galt i kunsten. For meg handler det om selvuttrykk '

Min tilnærming er å bringe en friskhet selv i gamle sanger, i tillegg til å synge nye. Det er ikke bare for publikum, men også for meg selv. Hvis jeg synger noe i dag som jeg sang for 20 år siden, og hvis det fortsatt høres det samme ut, betyr det at jeg ikke har vokst som musiker. Selv om artister sannsynligvis kunne ha sluppet med å synge en sang oftere enn i dag, har jeg også lagt merke til at de største artistene ikke bare fant noe som fungerte og fortsatte å gjøre det samme. I stedet fortsatte de alle med å utvikle seg. Du ser en slik endring og modenhet i musikken deres gjennom årene.

Men de tidligere mesterne hadde ikke denne typen press for å utvide sitt repertoar

Jeg vet ikke sikkert hvilket press de tidligere mesterne hadde eller ikke hadde. Men jeg mistenker at det kan være sant, og det var derfor de var i stand til å synge noen av varemerkets sanger som ble deres hits som vi forbinder med dem. La oss ikke glemme at de introduserte nye sanger og raga. Jeg ble introdusert for noen hindustanske ragas som Durga og Gavathi gjennom musikken til GN Balasubramaniam. Noen ganger gjorde de raga berømt og noen ganger raga gjorde dem berømte. Men det var dynamikk selv i denne tilnærmingen. Sangen kan være den samme, men de brakte slike nye ideer til swara-sang, neraval etc. Som du vet, refererer folk til og med til disse sangene etter innspillingsdatoer. Artist X sang en uforglemmelig sang Y i året Z. Hvorfor gjør folk det? For selv om sangen eller ragaen er den samme, er gjengivelsen ikke det. Hvis du føler at en artist etter fire konserter høres det samme ut, har du kanskje ikke lyst til å lytte til ham/henne mer. Suksessrike artister fra før og i dag har alltid unngått å gå i den fellen. De gir noe annerledes med hver forestilling.

Sandeep Narayan opptrer på en konsert i Carnegie Mellon University, Pennsylvania, i 2013.

Mange tidligere mestere som folk avguder nå, hadde ikke blitt anerkjent i sin tid. Følger du noe av arbeidet deres?

Det var noen artister som vi ofte føler ble undervurdert i løpet av sin tid i forhold til deres faktiske kompetanse og bidrag. Folk snakker alltid om MD Ramanathan som et eksempel på det. Jeg føler at Thanjavur S Kalyanaraman også var slik. Og selv om Madurai Somasundaram hadde ganske mye suksess i sin tid, ser det fortsatt ikke ut til at han går ned i historiebøkene på lik linje med noen av hans jevnaldrende av den tiden uansett grunn. I 2019 feiret vi hans hundreårsjubileum, Somu 100, mange steder, men før dette ville du neppe høre folk diskutere navnet hans og musikken hans de siste årene. Det synes jeg er ganske rart.

Er det ikke rart at folk snakker mer om Kalyanaraman nå?

I dag er han en kulthelt. Jeg tror i utgangspunktet han var foran sin tid. Faktisk hører jeg mange interessante anekdoter om SKR fra disiplene, familiemedlemmene og venner som kjente ham personlig. En av dem er hvordan han forsket mye på stemmeteknikker for å forbedre sine egne evner. På grunn av disse teknikkene kunne han opprettholde presisjon i sruthi og laya. Jeg ble faktisk fortalt at han pleide å sitte alene om natten når alt var stille og gjøre stemmeøvelser. Han hadde også utforsket dwi-madhyama panchama varjya ragas, noe som var et konsept ingen virkelig hadde utforsket mye, og var ekspert på vivadhi ragas. Folk ser på hans arbeid med stor ærefrykt i dag. Eller det gjør jeg i hvert fall.

Når jeg blir spurt hvem som er den personen jeg skulle ønske jeg kunne ha møtt og tilbrakt litt tid med, er det alltid han som tenker på meg.

Siden du kommer fra et annet sosiokulturelt miljø og blir utsatt for andre former for kunst og musikk i verden, påvirker det musikken din?

Jeg har alltid lyttet til mye vestlig pop, rock, R&B, Hip Hop osv. Selv i dag gjør jeg det. Mine Spotify -spillelister er en blanding av amerikanske og britiske artister så vel som indiske. Å lytte til ikke-karnatiske musikkstiler er ofte en utgivelse eller lettelse for meg. Karnatisk musikk får meg alltid til å fokusere dypt og har hjernen min konstant. Den eneste måten for meg å slå den av eller gå bort fra den for en pause, er å lytte til andre stiler. Men jeg vet ikke hvor mye av det som har påvirket min Carnatic -musikk. Jeg tror ikke jeg kan bringe rap eller hiphop til carnatic (ler)!

Men det kan være elementer i populærmusikk eller andre former som kan berike eller tilføre farge til din klassiske musikk

Jeg vil si at gamle filmsanger har en tendens til å gjøre det lettere for karnatisk musikk, spesielt hvis de er raga -baserte. Eller forskjellige rytmiske mønstre fra andre stiler. De er kanskje ikke tradisjonelle, men vi kan bringe dem inn på musikken vår mye lettere. Vanligvis litt fra Jazz fordi det er mange paralleller. Jeg tror ikke rockemusikk egner seg for mye til Carnatic, uten å gå inn i fusjonssjangeren.

Jeg synes Jazz er den vestlige, eller rettere sagt amerikanske, ekvivalent med karnatisk musikk. Begge er lik improvisasjonsmusikk. Jeg lurer ofte på hvorfor folk ikke prøver jazzteknikker i karnatisk musikk fordi det ville gjøre konserter mer fargerike selv uten å miste sin klassisisme eller alvor.

Ja du har rett, Jazz er nærmest Carnatic. På grunn av det vanlige begrepet klassisk sammenligner alle sørindisk eller nordindisk klassisk musikk med vestlig klassisk som standard. Men hvis du ser på det tekniske og konsertpresentasjonen, ligner Jazz mer på karnatisk musikk. For eksempel, mens de har et refreng, har vi en linje fra en sang eller en pallavi i raga-tanam-pallavi. Pallavi er det samme som å ta et refreng som i Jazz og improvisere igjen og igjen. Tanam er i mellomtiden lik scatting. Vi tar bare et par stavelser som ikke har noen lyrisk betydning og blander melodi og rytme sammen.

En annen parallell er nivået på ferdigheter du trenger

Selv når det gjelder trening ligner det veldig på karnatisk musikk. Deres ferdigheter eller trening kan dreie seg om hvordan man synger, spiller piano, saksofon eller trommer. Det er en teknisk opplæring. Og de hører mye. Jazzartister spiller eller lytter hele tiden til noe. Når de mestrer de tekniske ferdighetene, kommer kreativiteten etter et visst punkt fordi de også lytter mye. De har teknisk ekspertise til å gjøre det som er i hodet. Denne meldingen fra hjernen til stemmen din eller fingrene blir tatt vare på på grunn av dine tekniske ferdigheter. Det er det samme i Carnatic også.

En stillbilde fra MadRasana's Gopala Gokula Music -videoopptak.

Men det er rart at jazzmusikere kom fra dårlig bakgrunn, mens Carnatic har en annen sosiokulturell profil som noen ganger blir anklaget for å være eksklusiv

Sannsynligvis har det noe å gjøre med hvordan kulturen utviklet seg i et fellesskap. Ja, demografien er veldig kontrasterende, mens treningen, stilen og måten vi kommer på ideer er så like. Som en parallell struktur. Fra nesten begynnelsen.

Men i Carnatic, er det ikke en form for regimentasjon selv i improvisasjon fordi den styres av et gammelt konservativt system?

Vel, jeg vil si at det fortsatt er noen regler selv i jazz: de har en rytmisk syklus som skjer, og selv om de ikke følger en raga som vi gjør, har de en modus eller en skala. Det er visse notater som kommer i denne modusen, rekkefølgen på notene er kanskje ikke veldig streng, og en gang i blant vil de hente inn et utenlandsk notat bare for kontrasten, men de går tilbake. De følger stort sett skalaene sine, noe som ligner på det vi gjør. Ja, du har rett. I karnatisk musikk finner jeg at det er noen mennesker som prøver å pålegge mange regler.

Noen ganger høres til og med litt ufullkommenhet bra ut, ikke sant?

Jeg tror ikke på riktig og feil måte. Det er mer som en god og dårlig. Og dette kan dømmes ut fra en kunstners erfaring og modenhet. For eksempel er det en identitet for en raga. Du trenger ikke å høre alle notene i skalaen for å vite at det er en Todi eller en Sankarabharanam. Fra en setning kan du vite hvilken raga det er. Hvordan identifiserer du en raga selv om jeg ikke har sunget alle tonene? Og hvor kommer dette rett og galt fra? Musikkpresentasjon skal handle om estetikken og forbindelsen den skaper. Jeg personlig liker ikke å pålegge slike regler for hver eneste lille ting.

Tidligere sangere som Madurai Somu og samtidige musikere som Sanjay Subrahmanyan har mange ukonvensjonelle elementer i musikken som gjør dem til en sjanger for seg selv. Blir du ikke inspirert til å gjøre noe lignende?

De er definitivt veldig inspirerende artister for meg. Men jeg vil ikke bevisst gjøre noe ukonvensjonelt bare for å ha min egen sjanger. Kanskje jeg en dag vil se tilbake og se at jeg gjorde ukonvensjonelle ting, men jeg vil at det skal være naturlig og komme til rett tid på egen hånd. Kanskje det vil resultere i en annen sjanger, som du sier. Mye av tiden liker jeg bare å lytte til noe og sette pris på dets skjønnhet, i stedet for å dissekere det og bestemme om det er konvensjonelt eller om det har kommet inn i et nytt rom. De nye rommene vil dannes organisk etter hvert som jeg vokser, og etter hvert som musikken min modnes enda mer.

Hvor viktig er kontakten med publikum?

Det er ekstremt viktig for meg. Hvis jeg synger i en mørk hall, vil jeg be arrangørene slå på lyset fordi jeg ikke vil synge til en svart vegg. Jeg vil se menneskene, øynene deres, reaksjonene deres, alt. For meg lever jeg så mye av det. Hvis jeg ikke føler at de er med meg eller de ikke reagerer positivt, endrer jeg kursen på stedet. Det er en samtale. Publikum reagerer og kommuniserer tilbake til meg på sin egen måte. Uten publikum, hvem synger vi for? De er en integrert del av konsertopplevelsen. Når jeg har et veldig mottakelig publikum, føler jeg at jeg kan synge hva som helst. Jeg føler meg som supermann på de dagene. Hvis jeg ikke får noe svar, kan jeg til og med begynne å tvile på meg selv.

Bruker du kontakten med publikum som en teknikk for å få tilbakemeldinger?

Jeg tror at du i de første sangene selv får finne lommene i publikum som virkelig reagerer på det du gjør. Mine øyne og fokus vil ha en tendens til å gå tilbake til dem naturlig. Jeg gjør det ikke bevisst, men det skjer instinktivt. Noen ganger ser du instinktivt på dem i et ekstra sekund for å bekrefte hva du synger også, fordi de har gitt meg den tilbakemeldingen til det tidspunktet.

Er publikum i Chennai lydhøre?

Å ja, absolutt. Du bør huske at i Chennai blir publikum utsatt for så mye musikk, så den gjennomsnittlige rasikaen i Chennai er ganske utdannet innen karnatisk musikk. Det er en grunn til at alle kommer hit fra hele verden. Hvorfor flyttet jeg fra LA til Chennai? Å lage et navn her er virkelig utfordringen. Publikum her er veldig kresne, men vil gi deg ærlige tilbakemeldinger.

Sandeep Narayan sier at man kan komme unna med visse ting som grensegimmier noen steder, men i Chennai må man være forsiktig fordi publikum har sett alt. (Ekspressfoto: Rajappane Raju)

Hvor sjenerøse er de i å gi tilbakemelding?

Du kan slippe unna med visse ting som borderline -gimmicks noen steder, men i Chennai må du være forsiktig fordi publikum har sett alt. Jeg kan si, jeg har turnert verden rundt og sunget for alle publikum, men Chennai vil svare jeg bryr meg ikke om hvor du har blitt av, du må synge for meg nå. (ler)

Det er ydmykende på mange måter. Å få en positiv reaksjon fra et Chennai -publikum betyr mye. Og de reagerer, de gir det der det skyldes. Hvis du prøver å gjøre noe for å få takknemlighet, vil de se gjennom det. Men hvis du og musikken din er ekte, vil de svare. Du kan bli overrasket når de setter pris på noe når du ikke forventet det. Det kan være en realitetskontroll.

Det er skjønnheten i Chennai-økosystemet fordi det er det som opprettholder denne karnatiske tradisjonen. Er det ikke det?

Ja. Økosystemet handler ikke bare om artistene, men også publikum. Uten dem kan vi ikke skyve musikken vår til høyere nivåer så mye. Jeg sier alltid til studenter og kunstnere som bor utenfor Chennai om å komme hit og se hva folk i deres aldersgruppe eller jevnaldrende gjør musikalsk.

God passform er vellykket i Chennai og andre steder, ikke sant?

Det er den ideelle balansen. Her finpusser du virkelig ferdighetene dine. I mellomtiden vil opptredener på andre steder lære deg hvordan du presenterer annerledes for forskjellige målgrupper. Begge er nødvendige for å være en vellykket utøver.

Gjør improvisasjonsutfordringen deg sårbar på scenen?

Jeg føler at man burde være litt sårbar på scenen. Jeg føler meg trist hvis en artist føler at det han eller hun skal presentere på scenen må være perfekt. I det øyeblikket du begynner å gjøre det, utforsker og utvider du ikke din musikalske kreativitet så mye du er i stand til. Nå er du mer bekymret for den kommersielle pakken. Du prøver å opprettholde et merke eller navn du har etablert. Det må være en balanse mellom standarden du har etablert mens du fortsatt utforsker kreativiteten. Det betyr at du til en viss grad må være sårbar foran publikum.

Når jeg kommer på scenen, er det en viss del av meg som er trygg og sier: Ok, dette er min komfortsone. Men hvis jeg bare skal gjøre det jeg vet er trygt og allerede testet, hvordan skal jeg så gå til neste nivå som artist? Sårbarheten jeg refererer til handler om å åpne deg selv for publikum og si, hei jeg prøver noe og la oss se sammen hvordan det går. Det er også en del av samtalen jeg snakket om tidligere.

Sandeep Narayan opptrer på en konsert på Kuthiramaligai, Thiruvananthapuram, i 2015.

I en av våre turnékonserter i USA prøvde jeg en komplisert korvai som jeg hadde øvd tilstrekkelig på, men det fungerte ikke bare mens jeg var på scenen. Det fungerte ikke en gang, to ganger og tredje gangen trodde jeg at det ville skje, men det gjorde det ikke. I det øyeblikket var det noe i hjernen min som slo av. Hvis jeg hadde fått et minutts stillhet til å tenke og finne ut av det, hadde jeg klart å håndtere det; men talam foregikk, publikum så på og det var ikke tid til å tenke. Til slutt avsluttet jeg med en annen korvai. Men da mridangam -artisten begynte å spille solo, spilte han korvai riktig. Jeg ble umiddelbart med og sang den med ham. Så kunngjorde jeg for publikum at det var det jeg prøvde å synge. Jeg sa også at hvis jeg ikke hadde fått det, ville jeg ikke ha kunnet sove den natten! (ler)

Disse ufullkommenhetene gjør konserter minneverdige, ikke sant?

Jeg tror det, men jeg vil ikke at slike ting skal skje ofte. Hvis noe naturlig og organisk skjer, er det greit. Noe utenom planen skjedde, og jeg var gjennomsiktig. Jeg tror det er sårbarheten vi snakket om. Jeg vil at konserten min skal være så ekte som mulig.

Hvordan planlegger du en konsert?

Jeg prøver å ikke gjenta ragas og komposisjoner som jeg har sunget på det stedet i den siste tiden, men du kan ikke unngå gjentagelse noen ganger hvis du vil inkludere en ghana raga, da det bare er et begrenset antall av dem. Og vanligvis, hvis jeg unngår dem på en konsert, vil folk naturlig nok spørre hvorfor det ikke var noen Bhairavi, Thodi eller Kamboji osv. Og de har også rett. Sannsynligvis, for å unngå gjentagelse, vil jeg synge en annen komposisjon, eller bruke en ghana raga i en Pallavi en dag, og som main en annen dag etc.

Den andre tingen er å skaffe en rekke komponister og talams. Og også forskjellige ragas når det gjelder kontrast. Du må ta lytteren med på den reisen, og derfor gir du litt variasjon.

Det kommer også an på hvor jeg synger. I Tamil Nadu synger jeg en eller to tamilske sanger, i Karnataka, en eller to Kannada -sanger og i Kerala en eller to Swathi Thirunal -sanger. Bland kjente sanger og legg til en eller to sjeldne. Vi må hele tiden balansere. Slik nærmer jeg meg en konsert. Endrer jeg listen etter at jeg har stått på scenen? Ja, hele tiden. Etter å ha nådd lokalet og sett publikum, tror jeg noen ganger at planen min ikke vil fungere bra, og derfor gjør jeg endringer i spilletid!

Når folk kommer til deg med forespørsler under konserten, forstyrrer de ordningen din?

Hvis jeg får en forespørsel på forhånd, er det lettere å innlemme den i konsertplanen min. Noen ganger stemmer disse forespørslene også overens med tankegangen din. Noen ganger gjør de det ikke, men jeg har ikke noe imot det. Uansett prøver jeg så godt jeg kan å oppfylle de fleste forespørslene jeg mottar under konserter. Tross alt er det vår jobb å synge hva publikum ønsker.

Noen sangere legger til nye komposisjoner i repertoarene sine for å samtidige konserten sin? Si, for å prøve å legge til moderne poesi som en komposisjon eller en Pallavi.

Jeg gjør det sannsynligvis ikke aktivt fordi det er så mye allerede der ute. Kanskje dette er noe jeg ville gjort mer bevisst underveis når jeg føler at tiden er inne.

bilder av trær med røde bær

Hva er din tilnærming til å utforske ragas?

Det er vanligvis et skjelett for ofte hørte ragas, og det er vår jobb å fylle det kreativt. Ghana -ragaene gir mye omfang i den forbindelse. Og i de fleste ragas er det alltid etablerte sangathis du kan falle tilbake på hvis en ny vei du tar ikke fungerer. Når jeg synger de ragasene, føler jeg meg trygg på å utforske og eksperimentere mer, mens jeg går tilbake til de tidstestede mønstrene og overgangene.

Så er det ragas med lite eller ingen rammeverk og mal fordi de sjelden blir sunget. Dette er den andre ekstremen. Her kommer din frihet fra det faktum at det er lite utforskning på forhånd. Når jeg synger slike ragas, kan jeg prøve å gjøre mange nye ting, for hvem skal komme og fortelle meg at jeg ikke sang det ordentlig? Det er ingen anelse om hva som er riktig og akseptert i dette tilfellet.

Sandeep Narayan mottar en pris på Music Academy.

Hvordan håndterer du de sjeldent sungne ragasene? Hvordan utvikler du dem med begrensede komposisjoner og referanser?

Jeg antar at når min musikalske modenhet vokser, dukker det opp forskjellige ting i hodet mitt. For eksempel, i en sjelden hørt raga som Deepali, bortsett fra noen få sangathier og en skala, har ikke mye blitt etablert. I slike tilfeller kan jeg ta en lapp og bestemme at det er landingspunktet mitt. Vanligvis vil ingen si at det er feil. Men du tar en eldre og velkjent raga-lignende Devamanohari-og endrer landingsnotatet, det vil høres vanskelig ut fordi det allerede er satt inn i hodet til lytterne på en bestemt måte. I slike tilfeller begynner raga -identiteten å forvandle seg til noe annet.

Men noen av disse sjeldne ragasene er hindustani. Kan du ikke bruke hindustanske referanser?

Du kan, men deres gamakas er forskjellig. Raga -tilnærmingen er annerledes. Du kan etterligne Hindustani til en viss grad- si at du kan få Pantuvarali til å høres ut som Basant eller Puriya Dhanashree. De samme tonene, når de blir sunget i hindustansk stil, vil høres annerledes ut.

Gjør du det noen ganger?

Ja, det gjør jeg. Jeg liker det (ler). Det er en personlig preferanse.

Dette minner meg om en innspilling av en Pallavi av TN Seshagopalan der han synger parallelle setninger mellom Carnatic Bhairavi og Sindhu Bhairavi (som er som Hindustani Bhairavi). Disse tingene er veldig kule for meg, men du må passe på at du ikke kommer på avveie i notene som er vanlige med andre ragas. Det er ikke en lett ting.

Du er en ganske uttrykksfull sanger. Hvordan emoterer du? For eksempel trenger du å føle hengivenhet personlig for å få en andaktssang til å fungere?

Ikke i dem alle, men hos noen gjør jeg det. Mange ganger vil betydningen av sangen hjelpe deg med å få frem følelsene. Noen ganger er følelsen der i selve ragaen. Noen ganger kan det være en forbindelse med sangen eller en forbindelse med komponisten. For eksempel kjenner vi betydningen av sangen varugalaamo i Manji av Gopalakrishna Bharathi. Jeg synger ikke den sangen og tenker på meg selv som den som lengter etter å se guddommen, men jeg får følelsesmessig tenkning på komponisten som har skrevet så vakkert og beskrevet en slik situasjon.

Noen raga som du føler deg følelsesmessig forbundet med sent?

I det siste har jeg en forbindelse med Thodi. Arten av min forbindelse med ragas er forskjellig for hver, og fortsetter å endre seg. Det kan høres klisjéaktig ut, men jeg har lært at det er en grunn til at så mange artister går spesielt tilbake til denne ragaen og hvorfor den har det ryktet den gjør. Det er bare syv notater, men det er noe så stort utover det. Jeg føler at jeg går ned en Thodi -tunnel og lærer mer og mer om ragaen når jeg synger den, og når jeg tror jeg kan være ute av tunnelen, skjønner jeg at det er enda mer å gjøre med denne fantastiske ragaen, og jeg går i dybden enda dypere.