La meg ta en selfie

Det stadig skiftende selvportrettet vil avgjøre fotografiets gang i tiden som kommer.

Slik jeg ser ut i kveld: (Fra venstre) Robert Cornelius, et selvportrett fra 1839; Rupi Kaurs bilde som ble tatt ned av Instagram; og et selvportrett av Walker Evans.

Vi lever i tider der det ikke er så lett å kontrollere antall bilder som lages og slettes – spesielt hvis de er selfies på telefonene våre. Fotografering har gått utover å bruke et riktig kamera til å ta skjermbilder, videoklipp, lage stop motion-videoer og til og med et bilde av et bilde. Det populære, overbærende og opplastingsverdige øyeblikket har omorganisert den legendariske fotografen Henri Cartier-Bressons omdiskuterte avgjørende øyeblikk. Fotografi bryter seg løs fra sitt strukturerte, klassiske jeg i sin tilegnelse av andre medier og brukere. Det er nok debatt om kraften til fotografi til å bringe endring, omtrent som dens konstante sensur - spesielt av visse bilder som igjen kan påvirke betrakteren til å reagere på en bestemt måte. På mange måter er fotografering nå hva det så ut til at det umulig kunne være.

Ettersom Instagram ble synonymt med telefonfotografering, ble hver bruker en fotograf. Denne andre bølgen av demokratisering innen fotografi – den første er oppfinnelsen av snapshot-kameraet – har muliggjort plasseringen av selvportrett i det offentlige rom på en måte som aldri har vært sett før. Bildet av selvet er nå ikke bare ens mening om selvet i det øyeblikket eller på den aktuelle dagen, men også en innsikt i sinnets ubesluttsomme natur.

Når gled dette uttrykket av selvet inn i mediet og hva betyr dette for fremtidens fotografi? Man kunne starte med så tidlig som idriftsettelse av portrettet i fotografering. Med oppfinnelsen av daguerreotypi blir portretter den mest populære typen fotografier. I 1839 laget Robert Cornelius, en metallarbeider i Philadelphia med en sterk interesse for fotografi, en daguerreotypi av det som muligens kan være verdens første fotografiske selvportrett - et bilde av en ung mann med rufsete hår som ser rett på deg. Dette var forskjellig fra datidens typiske kalde, poserte, speillignende daguerreotypiportretter.

Til og med den amerikanske fotografen Walker Evans, mest kjent for å fotografere effektene av den store depresjonen, var en entusiastisk selvportrettmaker. Da han fokuserte på realistisk skildring av ting rundt seg, eksperimenterte han også med et veldig uformelt uttrykk for selvet. Mellom 1927 og 1929 gikk Evans inn i en fotoboks og ristet på hodet, lå på en sykehusseng i New York og poserte rett i ansiktet for kameraet sitt, og så, i det som er det mest relaterte selvportrettet fra den tiden, ristet Evans sitt hodet kraftig, blunket og åpnet munnen for å le. Dette selvportrettet ble symbolet på hans alternative persona, så mye at Metropolitan Museum of Art skriver i sin beskrivelse av det siste bildet av Evans: I fravær av fast kunnskap om kunstnerens intensjon med å lage dette selvportrettet, man kan anta at Evans testet lukkerhastigheten til kameraet sitt, fremstilte seg selv som en fordømt sjel i helvete, eller utforsket en måte å beskrive det usynlige grensesnittet mellom galskap og genialitet.

I sin bok, Understanding a Photograph, stilte kunstkritiker John Berger et interessant spørsmål: Hvorfor komplisere på denne måten en opplevelse som vi har mange ganger hver dag - opplevelsen av å se på et fotografi? Dette spørsmålet blir mer aktuelt i dag enn noen gang. Hva gjør den ene selfien mer interessant enn den andre, gitt at antallet er uendelig? Selv når du fotograferer turistmål, har disse stedene blitt bare en bakgrunn for selfien. For mange kan en person ikke se mye annerledes ut i et fotografi de tok av seg selv fra det forrige. Den definerende komplikasjonen må altså være i den andre i rammen bortsett fra det bokstavelige selvet, og hva denne andre kan bety for eller i forhold til selvet.

I mars i fjor la den Toronto-baserte forfatteren og artisten Rupi Kaur ut et bilde på Instagram av seg selv i sengen mens hun hadde mensen. Hun vendte seg bort fra kameraet, da en blodflekk var synlig på sengen og på treningsbuksene hennes. Instagram tok bildet av som et brudd på retningslinjene for samfunnet, og forårsaket furore over sensuren av det som egentlig er en reell hendelse for kvinner over hele verden. Kaurs portrett ble ikke helt oppfattet som en selfie, men det kunne like gjerne vært det. I likhet med Cornelius og Evans, avbildet Kaur seg selv på den aktuelle dagen eller tidspunktet. For henne som fotograf viste hun det hun anså som viktig eller et bevis på sannheten hennes. Interessant nok, i en nylig utstilling i Delhi, The Surface of Things: Photography in Process, brukte fire kunstnere – Srinivas Kuruganti, Edson Dias, Uzma Mohsin og Sukanya Ghosh – analoge prosesser i fotografering for å bryte ut av den lineære fortellingen og se innover. Dias brukte fotoprosesser fra 1800-tallet for å gjøre flere eksponeringer av sitt eget jeg da han presenterte seg selv som skaperen, vitnet og motivet. Fremtiden til selvportrettet er å også presentere situasjoner for betrakteren som kan bruke selvet til bare å hjelpe fotografiet.

For å si det enkelt, selfies kommer ingen vei. Det klassiske enkeltbildet har gått over til et stadig økende antall/sekvens av bilder som skildrer selvet. Vår stadig skiftende sinnstilstand bestemmer fotograferingen vi til slutt praktiserer og konsumerer. Og kanskje vil fremtiden for fotografering være uatskillelig fra vårt siste, selvkuraterte øyeblikk.